> Art – A Seductive Tool of Diplomacy
A series on the relationship between the arts and international affairs
by Alana Chloe Esposito
“Begin with art, because art tries to take us outside ourselves. It is a matter of trying to create an atmosphere and context so conversation can flow back and forth and we can be influenced by each other.”
-W.E.B DuBois, American Civil Rights Activist
ARTIST AS GEOPOLITICAL BAROMETER?
When I meet someone new in a social setting in Paris, where I have been living for the past year and a half, I am usually asked what brings me here. The first part of my answer – that I am pursuing a master’s degree in international affairs at Sciences Po, one of France’s renowned educational institutions — pleases and impresses my new acquaintance. Yet, when I add that I also intern at Christie’s, that initial smile fades into a quizzical expression. Although most admit that working at Christie’s has a certain cachet, “why would a student of international relations (with a concentration in international security to boot) work in the arts?,” my new acquaintance wonders. Having worked at a contemporary art museum in New York after graduating from the School of Foreign Service at Georgetown University, where I took classes in international law, comparative political systems, foreign policy, and conflict resolution, my resume comes across as incoherent to some. Expressing a disconcertingly common reaction, an employee of a prestigious global think-tank where I applied for a summer position even went so far as to ask why I am “wasting” my respectable international relations degrees working in the arts. Professional interviews aside, often I simply defend my choices in terms of personal interest: On one hand, art allures me and ever since childhood art classes and visits to museums, I have enjoyed being around art and its creators. On the other hand, the idealist in me wants to learn as much as possible about the issues that propel the great game of international politics in hope of contributing to a more secure (in the broadest sense) world.
But, that is not the whole story. Art and geopolitics hardly present a case of “either/or”. The two hands stem from the same body.
It has been said that artists have a seismographic ability to grasp and express the ideas, sentiments, frustrations, and desires running through their society before the general public succeeds in processing and codifying them. Think of how artistic movements such as Dadaism or iconic paintings such as Munch’s The Scream reflect the spirit of their respective eras, giving us insight into the sense of nihilism caused by the First World War and the sheer horror caused by the Second. As happens in every epoch, much of the art created today will fade into obscurity, but future generations will recognize a few among the myriad works as iconic images of the early 2000’s. Who is to say that Jihadi Gangster by the Afghan-American artist Aman Mojadidi (mentioned later in this article and featured in a future article in this series) won’t help someone understand the currents running through Afghan society as the war drags on? A painting or installation, doesn’t contain an absolute truth, it merely offers a glimpse into the particular reality of its creator. Yet, this insight, coupled with a grasp on history, geography, social issues, and politics allows the viewer to connect the image to the bigger picture and perhaps derive some meaning from it. Might not such insight not bring added value to public discourse and benefit a policymaker struggling to resolve conflict at home or abroad?
Émeric Lhuisset thinks so. Meeting this week in the courtyard of his alma mater, l’Ecole Nationale Superieure des Beaux Arts de Paris to chat about his work, the 27-year old artist mused over the links between art and geopolitics:
I constantly wonder about the extent to which an artist can make an impact on wars and other important events. I like to think they can help solve conflicts, but I am not convinced. Still, art is powerful. I remember how it struck me when the UN covered the tapestry of Picasso’s Guernica at the entrance to the Security Council when Collin Powell addressed the Council seeking authorization for the United States to enter Iraq.
(See Slate article).
Aiming to spark a process of exchange between the realms of art and geopolitics, last year Émeric launched a series of public conversations called “contemporary art + geopolitics” in collaboration with Isabelle de Maison Rouge, art historian and NYU in France professor and Caroline Ibos, political science professor at University of Rennes. The monthly program invites an artist sensitive to current events to present his or her work and a geopolitical specialist to react to the artwork, eliciting some food for thought. Émeric moderates the discussion between the two guests who would otherwise unlikely find themselves in each other’s company. The idea is to foster “original dialogue and exchange of ideas to open new perspectives.” Implicitly, the program poses fundamental questions: Is it conceivable that analysis of contemporary art could shed light on the major geopolitical trends of the future? Can artists play a role as barometers in our societies? What link can exist between two disciplines that are similar in certain respects, but that nevertheless seem to ignore one another? As it develops, Émeric would like to expand the project beyond the confines of academia, letting it evolve into “more of a research lab that seeks not only to explore an approach to art through geopolitics, but also to reflect on geopolitics by way of art”.
Meanwhile, Émeric grapples with these questions through his own artwork, which he describes as a mixture of drawing, photography, and investigation. His recurrent themes include conflict and its representation, the boundary between real and virtual, the media, and the idea of controlling individuals. While he stresses the distinction between his work and news reporting, he compares himself to a journalist who tells a story through images instead of words. Like a reporter, he researches the historical background and does investigative fieldwork to inform his artwork. “All my artwork stems from research and analysis on contemporary issues related to geopolitics,” he boasts.
Such fieldwork has taken him from the tribal areas of rural Pakistan to FARC controlled zones in Colombia to “witness places where others dare not go.” Other journeys include the Amazon, Siberia, Cambodia, and Israel/Palestine. Most recently, he spent time observing Kurdish rebel movements in Iraq and completing a residency at Turquoise Mountain, a non-profit cultural organization, in Afghanistan. Such wanderlust stems from Émeric’s visit to Nepal in 2003 where he climbed 5800 meters up Mount Everest along with 19 other youths from his Parisian suburb, thanks to a youth program organized by local government. When I asked him what compels him to return again and again to conflict or otherwise troubled areas to pursue his art, he explained that as a child he loved history, geography, sports, and art. After a pause, he added, “When you mix them all together, you basically get what I do now.” There are moments, he admits, “when I ask myself why I am risking my life instead of joining my friends for a glass of wine on a Parisian terrace, but whenever I come back to France, I miss the adrenalin of living in a conflict zone. It’s simultaneous attraction and repulsion.” Immersing himself in conflict zones also brings Émeric closer to understanding the issues at hand in a given setting, which he believes is important in order to avoid the mistake of many journalists who “subconsciously look for “images and stories that reinforce their preconceived notions about places like Iraq.” Émeric encourages a more nuanced understanding of the headline news stories. “It is important for me not to take positions directly [on questions of politics], but to invite the viewer to question what she sees and reads. Ultimately, each draws what she wants from my work according to her beliefs, his own experience, and his “personal mythology”.
In an essay by entitled Touched by the Image: Traps and Raptures in the Photographs of Émeric Lhuisset, Jean-Baptiste Chantoiseau aptly writes:
The works that emerge from these projects attract attention: they are conceived to emanate an immediate plastic beauty. The lights, contrast, and staging, seduce the viewer at first sight and hide the inner workings of creation that are never exhibited as such. It is therefore necessary to search, to unearth the image in order to read the layouts, rhythms, and compositions that give these works their strength and authenticity. Seduction has a price: these images charm in order to better challenge the viewer, leading him to reflect on his own place and role.
For example, at first glance the photograph “American suburb” (2010) portrays exactly what its title suggests: a newly constructed residential enclave of affluent Americans. In fact, the portrayal is thoroughly accurate, notwithstanding that this suburb happens to be located, not in Texas or Arizona as the landscaping might suggest, but within a militarily secured zone in Iraq. While Émeric is clearly not a photojournalist, in this series he plays with the codes of the photojournalism as a means of critique. “I like to trick the audience. The ambiguity makes them reflect more deeply on what they see.” In a similarly ironic spirit, the Afghan soldier pictured in the photographic series entitled “war pictures” (2010) has fought for the government in settings similar to the ones portrayed in the photographs. Yet, in this instance, Émeric has staged the scene, transforming the soldier into an actor playing a version of himself. The Kalashnikov is but a child’s toy. He covered it with lace, alluding to an old Afghan tradition of decorating pistols, which has lately been picked up in the form of covering AK47s with local trappings, adding yet another layer of ambiguity between real and fake. Employing formats typically used in reporting lend his fake war scene a sense of urgency.
Meanwhile, “Kandahar: Furniture for Belligerents” (2010), a collaborative project between Émeric and Aman Mojadidi, takes a different spin on the theme of standardized, cliché war images. Considering that in certain contexts in Afghanistan Kalashnikovs are banal objects, carried around with the same sense of insignificance one might attribute to carrying a mobile phone, the artists thought about how to imbue them with a utility beyond their primary function as weapons. The result? A line of chairs (made with technical assistance from the designer Pierre-François Dubois), named after the province of Kandahar, following Ikea’s tradition of naming its seating after Swedish provinces. After all, Kalashnikovs are heavy and cumbersome, explains Émeric, and even “combatants in a war zone spend 97% of their time waiting around and only 3% fighting”. The beauty of the design lies in the ease with which the Kalashnikovs slide out of the chair to be employed as weapons. Recently exhibited by Galerie Zeitgeist’s stand at Slick (a contemporary art fair in Paris), “Kandahar: Furniture for Belligerents” is quite amusing. Yet, while a Westerner might view the concept metaphorically, Émeric points out that an Afghan might perceive it as something purely functional. “The fact of being a combatant doesn’t negate one’s need to sit down.” Accordingly, Émeric and Aman are taking their chairs to Kabul next spring, where they will sell them at the Mandayi bazaar. But there is a catch: belligerents will have to provide their own Kalashnikovs, “I’m not selling weapons, but a chair. I don’t care whether it’s used by pro or anti-government combatants or by civilians.” Personally, I am curious to see how this venture will play out.
On an interesting side note, not dissimilar to my own experience having to justify to my academic dean why working at Christie’s is not a waste of time, Émeric learned the hard way that many politicians, military personnel, and political science scholars do not take art seriously and thus seldom have time to talk to artists. So when approaching geopolitical specialists, he introduces himself first as a Sciences Po professor (where he teaches elective courses in photography), which gets him in the door before anyone realizes he actually came to invite the specialist into a dialogue about art and it’s potential to cross into the realm of politics. I encourage him and others to continue striving to break down the perceived barrier between these realms.
As we are reminded by the beautiful book Beyond Babylon: Art, Trade, and Diplomacy in the Second Millennium B.C. (Metropolitan Museum of Art), civilizations have long been adept at recognizing and exploiting the confluence of the arts, economics, and politics, yet this holistic approach seems to have laid dormant recently. Perhaps if initiatives like “contemporary art + geopolitics” succeeds however, cross-disciplinary exchanges will reemerge as the norm. There is reason for hope. The State Department, in the resurgence of attention to cultural diplomacy since September 11th, just announced smART Power, a program administered by the Bronx Museum of Art that sends visual artists to create public art in 15 foreign countries with whom the United States could stand to improve relations (See NYTimes article). This is a good start, but so much more can be done through public and private initiatives. Symbiotic multilateral relations exist between the arts and politics, economics, development, conflict resolution etc., and, if strengthened further, these links have great potential to contribute to problem solving on issues across the board.
Alana Chloe Esposito
for the Streaming Museum in New York.
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> L’artiste Emeric Lhuisset a posé le décor d’une de ses dernières créations au sein d’un groupe de guérilla kurde iranien ayant base en Irak et préparant ses troupes à la lutte pour l’instauration d’un nouveau régime en Iran. L’image raconte l’intimité d’un groupe armé combattant l’ennemi qui assaille son siège. Le réflexe empathique nous saisit presque immédiatement: on imagine les soldats devant affronter des conditions de vie physiques et psychologiques pénibles. Morts et blessés accablent le moral des troupes. L’attaque inattendue et l’échec sont à tout moment possibles. Tout soldat s’expose au risque d’une disparition précoce. Du coup, le sens du combat présent devient flou et le soldat hésite entre héroïsme ou désertion égoïste.
Mais cette photographie résulte d’un long travail d’investigation de l’artiste et porte sur l’influence de l’iconographie du 19è siècle sur l’image de guerre contemporaine.
Les caractères qui figurent sur cette photo sont bien des soldats, vrais combattants dans une vraie zone de guerre, que l’artiste est allé trouver dans leur camp d’entraînement à la frontière entre l’Iran et l’Irak. Il les fait poser ici dans une mise en scène recomposant le tableau d’Alphonse de Neuville « Bazeilles : les dernières cartouches » (1873) - racontant la défense jusqu'aux dernières cartouches d’une maison cernée par l'ennemi prussien.
Ici, un soldat blessé au bras ou cet autre à la jambe perdent leur force : ressentent-ils l’échec et leur vulnérabilité? Là, une femme et un homme agenouillés rechargent leurs fusils des dernières cartouches : ont-ils peur de n’avoir plus rien pour se défendre ? Un homme dans un lit, agonise-t-il ? A la fenêtre, des combattants tentent d’anéantir l’ennemi : combien de temps la lutte durera–t-elle ? Au premier plan, un jeune combattant tourne le dos à ce qui les réunit (les martyrs accrochés au mur) et symbolise le doute quant au sens du combat présent. Autant le tableau de Neuville paraît vrai, autant la photographie d’Emeric Lhuisset laisse songeur.
Un mystère se dégage de la fenêtre. Et mon imagination de repartir : ébloui, on ne voit pas au-delà, comme si l’on ignorait les contours, la force et l’endurance de l’ennemi. La lumière d’une fin de journée sur les lieux évoque l’éphémère de cette lutte. Demain, l’ennemi sera peut-être autre. Dans la pièce à l’arrière-plan, des couleurs chaudes semblent décrire l’alternative meilleure à cette vie.
Lhuisset a le talent de nous faire entrer dans l’image et de nous y retenir par la subtile maîtrise de sa recomposition du tableau d’origine sur les nouveaux lieux choisis. Le regard glisse de façon joueuse d’un figurant à l’autre. Et puis on perd peu à peu son équilibre, ne sachant plus différencier le vrai du faux. L’artiste nous livre ainsi une belle démonstration où la matière manipulée touche et puis nous abandonne à notre doute. Des questionnements surgissent. Est-ce l’artiste qui me conduit à voir cela ? Ou les acteurs qui posent ? Ou bien est-ce moi, spectatrice, qui projette sur cette image ce qu’elle voudrait y voir ? Ou un peu des trois ?
Il y a des éléments qui ne semblent pas vrai. Les poses ne sont pas abouties, elles sont figées. Les figurants manquent de conviction. Après tout, est-ce une surprise quand la scène est décalquée sur le tableau de Neuville ? Vrais soldats dans la vie de tous les jours, faux soldats à l’heure de la mise en scène, ces personnes sont-elles délibérément un peu de mauvais acteurs, initiant le doute quant à la véracité de l’image? Et pourtant, le vécu bien réel des combattants aussi prend sa place sur l’image - ils auront été confrontés de près ou de loin à de telles scènes de tension. Le spectateur balance donc sans cesse entre, d’une part, une certaine émotion qu’il peut ressentir, et, de l’autre, un appel au sens critique résultant de la part de fiction de l’image.
Mais Emeric Lhuisset n’est pas embarrassé de ces ambiguïtés. Au contraire, il se sert de l’image de Neuville pour rendre compte du travail de son investigation.
L’émergence de la photo après la Guerre de Crimée (1854-1856) puis la défaite française contre la Prusse à Sedan en 1870 ont changé la manière de montrer les conflits. Peintres et photographes ont alors choisi des scènes de genre intimistes, plus proches de la réalité vécue par l’homme que par la nation. L’immédiate transcription de la réalité qu’offre le médium photographique doit aussi mettre fin à la peinture de propagande.
En bref, une photographie des zones de conflit plus proche de l’émotion intime et pourtant plus objective, un modèle encore plus que valable aujourd’hui. Voilà un difficile pari que les photographes revenant des zones de conflit tiennent pourtant rarement. Car les media ont bien compris qu’ils cherchaient des images et histoires sur place qui confortent leurs opinions préconçues. Ou bien les acteurs des conflits manipulent eux-mêmes les médias en se mettant en scène devant l’appareil photo. L’image continue donc à être instrumentalisée.
Pour rendre compte de cet effet, Emeric Lhuisset brouille les pistes, rien ne va plus. La mise en scène reprise de Neuville correspond à l’esthétique attendue des images de guerre d’aujourd’hui – évoquer l’émotion de l’individu dans le conflit. D’autre part, son esthétique de l’ambiguïté suggère la dose de manipulation souvent présente dans l’iconographie de guerre contemporaine et amène celui qui la regarde à s’interroger. « J’aime prendre au piège mon audience et laisser le doute l’envahir » dira l’artiste.
L’artiste est-il devenu manipulateur lui aussi, s’appropriant les codes des photographes de guerre? Plus que cela, il nous rappelle le pouvoir d’illusion de l’artiste. Il nous touche avec sa construction artistique, créant ce qui n’existerait pas sans lui. Il choisit les éléments (les personnes deviennent personnages, le contexte devient décor) et meuble son image comme une scène de théâtre. L’artiste utilise pourtant aussi la réalité pour reconstruire son propre univers et de conclure « Dans cette image aux cadrages multiples, on ne sait plus quelle est la part du réel, et c’est ce flou dans l’iconographie de guerre que je veux révéler».
Emeric Lhuisset est l’autre témoin de ces zones de conflit qui s’est infiltré dans le vacuum créé par un média imposteur. Par cet exercice intelligent où il en aura pris au piège plus d’un, Emeric Lhuisset a su démontrer qu’art, média et géopolitique sont plus étroitement liés qu’il n’y paraît. Voici pourquoi l’art d’Emeric Lhuisset est tant actuel.
Jolanda Chandler
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> A première vue, avec "Mother Fucker, burn !" installation vidéo où nos attentes de sang et de cris restent insatisfaites, "Go to see the swimming pool", une photographie prise à Kaboul, et un espace de documentation sur la Mercenary International Corporation™, pas de surprise, de choc ou de grande originalité - les formes sont bien connues. Sauf que chez Emeric Lhuisset, le multimédia n’est pas un genre mais une marque de sa liberté.
Au centre de son travail, un processus de création en situation de survie, "Exote". Une réflexion sur la création et le danger quotidien. Emeric Lhuisset choisit de se déplacer dans un environnement hostile, imprévisible, et c’est de cela que provient la force de son travail. Ici, pas d’engagement faussement politique, mais une implication, une expérience humaine, artistique et intellectuelle.
Sensible à la différence, il bâtit son œuvre sur l’ouverture au monde et aux formes. "Exote" est un processus, en ce sens, il va de l’avant. Emeric Lhuisset ne craint pas l’incertitude, au contraire, une part de la réussite du projet repose sur celle-ci.
Dans le travail d’Emeric Lhuisset, le contexte et l’environnement sont capitaux – tant pour l’artiste que pour l’œuvre, son élaboration et son partage. Les formes qu’il propose sont assez séduisantes ou spectaculaires pour attirer le public ; le contenu est suffisamment fort pour provoquer une réaction. Il nous plonge dans des situations où l’indifférence ne peut se loger.
Emeric Lhuisset est un artiste résolument actuel dans les préoccupations qui l’habitent, dans son mode de travail et ses choix formels. L’œuvre d’Emeric Lhuisset, d’un genre indiscutablement masculin, se déploie dans le temps et l’espace : il n’est pas réductible à un lieu, à un moment donné. Tout n’est pas là - juste quelques cendres qui laissent entrapercevoir les fondations d’un œuvre qui gagne chaque jour en densité.
Aurélie Bousquet
Art Critic
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> Tout au long de mes déambulations dans le Salon, j’ai croisé des hommes cagoulés et faussement armés, dont on ne sait s’ils appartiennent à un service de sécurité ou à un groupe terroriste. Le sigle MIC floqué sur leurs blousons noirs est en fait l’abréviation de Mercenary International Corporation, une société de sécurité fondée en 2008 par Emeric Lhuisset, qui expose ici un ensemble de travaux autour de son thème de prédilection, la création en milieu extrême. Il déclare, au nom du collectif Exote : « Nous ne recherchons plus le confort de l’atelier et de l’artiste dans un environnement aseptisé, mais l’inconfort. Notre but est de mettre l’artiste en danger en le confrontant à des situations extrêmes. Il s’agit de se (re)poser la question de la création dans un environnement hostile où l’artiste est menacé pas seulement dans sa création, mais aussi physiquement ».
L’installation est constituée de ce slogan-programme peint sur un mur, ainsi que de Go to see the swimming pool, une photographie d’une piscine en Afghanistan qui a servi de lieu d’exécution sous le régime des talibans, de Mother Fucker, burn !, une vidéo en caméra subjective d’un porteur d’AK 47 errant dans un dédale de couloirs souterrains qui rappelle fortement des jeux vidéos comme Counter Strike, et d’une série de fiches expliquant les projets du collectif (un séjour dans les zones tribales afghanes et pakistanaises, une expédition dans la jungle amazonienne, une infiltration des FARC, et la traversée du lac Baïkal gelé).
Emeric Lhuisset s’intéresse aux conflits, aux réseaux, aux systèmes d’organisation et à leurs connections, sujets qui s’expriment lors de la conduite des expéditions citées. La création du collectif Exote sert à théoriser ces actions et à définir un protocole de réalisation. Les expéditions sont en effet longues à mettre en place, et nécessitent une phase de recherches et de documentation, principalement via les médias, avant que l’étude sur place puisse être réalisée. Le travail sur le lieu de l’expédition doit s’étendre sur un temps suffisamment long pour que la sensation de danger existe au quotidien, et consiste en l’accumulation d’informations et de matériaux. La restitution de l’expérience se fait au retour, par le biais du médium le plus adapté (photographie, vidéo, ou de façon plus surprenante, création d’une entreprise)
Emeric Lhuisset réussit donc à montrer différentes facettes de son travail et à donner une idée de la cohérence de son projet tentaculaire. En soumettant le processus de création artistique à des conditions physiques et/ou psychologiques extrêmes, l’artiste interroge nos notions de la survie, de la menace et, partant, de la sécurité. Exote se défend cependant de tout engagement faussement politique dans l’air du temps. Les œuvres créées au sein du collectif pointent les faits du doigt pour laisser à chacun la possibilité de mettre en place un questionnement. Emeric Lhuisset est néanmoins conscient de la part de manipulation qui existe dans ce processus. Si des opinions diverses et variées peuvent théoriquement naître, il est évident que la façon de montrer les faits influence le spectateur, mais il est important que ce dernier conserve l’impression de s’être forgé son propre jugement.
Anne Monier
Art historian
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> Este vistazo crítico en Revelado, será destinado a narrar un encuentro con la obra del jóven artista francés, Emeric Lhuisset, estudiante en la Ecole de Beaux-Arts de París. Encuentro que fue posible gracias al nomadismo estético que realiza este artista desde hace un buen tiempo. En realidad su obra no la ví expuesta en ninguna galeria ni museo. Solamente la descubrí en sus propias manos, cuando él pasó por Bogotá hace poco más de un mes. Sus fotos son la materialización de lo que yo he llamado “un nomadsimo estético”. Cuando fuí invitado por el Collège International de Philosophie a exponer mi tésis sobre creación y nomadimo en el caso de Fernando Pessoa, puse de manifiesto que para un acto creativo era indispensable, el viaje y la abolición de fronteras. Ese viaje puede ser real o imaginario. En el caso de Lhuisset, el viaje que el ha emprendido es real. Aprovechando varias oportunidades, este artista a viajado por varias partes del mundo, Afganistan, Pakistán, India, China, Brasil y Colombia desdibujando las fronteras. Pero sus fotos no son solamente un registro de un viaje, como podría hacerlo un turista. Al contrario sus fotografías son verdaderas relaciones textuales, donde los lugares no son sino un pre-texto para revelar las contradicciones socio-políticas.
Por ejemplo en la foto de la serie “Made in China” titulada “Retrato oculto” (2004) vemos como lo uniforme en una sociedad donde las distancias sociales, cada vez son más grandes, deviene un disonancia matizada por un extraño matrimonio entre comunismo y capitalismo. Los guardias y sus impecables uniformes parecen ocultar una realidad que apenas podemos imaginar. En otra de sus fotos-serie titulada “Go to see the swimning pool” (2004), el artista nos muestra una piscina olímpica abondonada. Esta imagen deja ver un cielo azul maravilloso, pero en la piscina no hay agua, ni una sóla persona. En su remplazo vemos una serie de desportillamientos de impactos de bala en el cemento. No es difícil de imaginar que esta piscina situada en Kaboul, sirvió no propiamente como lugar de esparcimiento. Las fotos de Emeric Lhuisset parecen silenciosas, pero tienden en realidad a ensordecernos. Ellas tienen la facultad de mostrar lo que en ocasiones no vemos. Es decir que son verdaderos señalamientos de acontencimientos que los medios de comunicación tienden a dejar en el olvido.
En otra de sus imágenes “Había una vez una niña que quería ser una princesa” vemos a una chica francesa que se transforma en una “princesa” del cercano oriente. Al final de las fotos vemos la frase lapidaría: “El 14 de octubre de 1996, una niña de 10 años es condenada a la amputación de sus dedos por haberselos pintados con esmalte para uñas”. Todo comentario está de más. Pero Emeric, no solamente toma fotos de otros sitios del mundo pensando quizá que los conflictos sociales están fuera de casa. En la serie “Aquí entre otras cosas” las fotos devienen vallas que confrotan al paseante. En las fotos vemos otras frases: “¿Hacia dónde?” y “¿Dónde estás tú?”. Esas imágenes nos hablan de las revueltas de los jóvenes al comienzo de año en Francia. Pero como dice el propio artista: estas fotos no son “Ni apología de la violencia, ni invitación a la contestación, estás imágenes ponen de manifiesto la crísis de una sociedad”.
Lo que realmente me interesa del trabajo de Lhuisset es el maravilloso diálogo que se establece entre la imagen fotográfica y el texto. Sus fotos son verdaderos textos y al lado de ellos, desde el título mismo, la poesía es manifiesta. A sus fotos le acompañan una serie de poemas que el artista saca de su cuadernillo de viajes. Poemas como el siguiente que dan cuenta de ese nomadimos estético, donde imagen poética e imagen artística, nos hace pensar que el arte poético , en el sentido estricto de la palabra poético, aún tiene un lugar en la contemporaneidad:
“Mirada persistente, /ebriedad acostumbrada, / el silencio ebrio... mordisqueo un pan, / mordisqueo la piel... el alcool chorrea, / el juego de cartas cae, / el espejo se rompe, / las bocas cantan... mi cabeza da vueltas, / vagón 11... / Bienvenidos al tren 36b1A dirección Ouban-Bator.”
Fotografías-rastro de un viaje que apenas comienza, y que sin duda en poco tiempo nos narrarán de su paso por estas tierras del Sur.
Ricardo Arcos-Palma
Director of Museo de Arte de la Universidad Nacional
Lecturer at Universidad Nacional de Colombia / Art Critic.
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> Photographies, poésies, installations, dessins... Emeric Lhuisset traque les zones de conflit. Comment les gens se remettent-ils des conflits, quelles traces en reste t’il ?
La photographie « go to see the swimming pool » a été prise à Kaboul en Afghanistan en 2004. Que voyez-vous ? Une piscine, les montagnes, une douce lumière et pourtant... Et pourtant que dire de ces traces de balles, pourquoi la piscine est-elle vide ?
Les Afghans qu’il rencontre sur sa route lui disent : « go to see the swimming pool ! ». Il s’y rend et trouve ce lieu où les opposants au régime taliban ont été égorgés et ceux qui ont tenté de s’enfuir abattus (d’où les traces de balles). Le lieu détourné devient source d’inspiration et d’interrogation.
Lors de ses longs voyages qu’il effectue seul, Emeric récolte des témoignages, des impressions et des sensations (souvent fortes). La durée des périples lui permet de se débarrasser de ses préjugés et de mieux vivre et ressentir le lieu et ses habitants. La solitude choisie le rend disponible et l’aide à mieux s’ouvrir aux autres, à ces lieux mal connus empreints d’appréhensions. Il se fond dans le paysage et devient un habitant parmi les autres, vêtu des habits traditionnels. Il n’hésite pas à aller là où il n’est pas le bienvenu, notamment dans les zones tribales où les occidentaux n’ont pas le droit de pénétrer. Emeric se livre corps et âme dans son projet et choisit de se mettre lui-même en danger pour parler du danger.
Ne vous laissez pas endormir par des images et des faits banalisés, restez attentif au monde et aux hommes. Emeric est un artiste engagé, un réveilleur de nos consciences endormies par des images barbares de tragédies humaines, devenues banales dans la presse. Il s’appuie sur des photographies, des dessins et des textes épurés où la violence et l’horreur sont sous-jacentes. Il ne triche pas et livre son travail avec la pudeur et la discrétion qui sont les siennes.
« Au loin les montagnes de l’Hindu Kush,
dans les rues des Humers surmontés de mitrailleuses croisent des "oiseaux bleus".
Ces oiseaux bleus sans avenir.
Ce pays où l’idée retrouve le rêve, tout simplement par ce que la liberté de penser n’a de place que dans l’inconscient ou dans l’irréel.
Réalité, religion, rêve, aberration, anarchie, alarmante, Afghanistan.
Moralité, mortalité, matérialité, miracle, modèle, marche ou crève,
fidèle à ton destin,
fidèle à ton dieu…
Mais n’est-ce pas toi-même qui le crées ton destin ? »
extrait de son poème « Les oiseaux bleus »
Il prépare actuellement plusieurs expositions, travaille sur une série de dessins de silhouettes de guerriers, et s’apprête à un voyage en Amazonie à bord d’un « bateau-atelier » laboratoire d’expérimentation artistique. Il souhaite y observer la confrontation entre les différentes cultures. Pour ses prochains longs voyages, il pense notamment à la Colombie, à la Tchéchénie et à l’Afghanistan pour réfléchir cette fois-ci sur les mercenaires. Artiste du mouvement et en mouvement, Emeric Lhuisset nous invite au voyage. Son travail est subtil et poétique. Il est un témoin silencieux de ces lieux où beaucoup n’osent plus aller. Il pose sans que l’on s’en aperçoive au premier regard, les jalons d’une réflexion, d’un questionnement pour celui qui croise son travail.
Un artiste discret et talentueux à suivre de très près...
Jeanne Pariente
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